Ricerca

Progetti in corso



Articolazione e morfologia dei bocchini negli ottoni: tromba, trombone e corno

Resp. Massimo Zicari, Divisione Ricerca e Sviluppo

Obiettivo di questa ricerca è la verifica empirica delle modalità di articolazione in situazioni organologiche e costruttive differenti, in rapporto a quanto suggerito dalla principale trattatistica e dalla metodica per corno, tromba e trombone nel corso dei secoli scorsi.

In particolare, si intende verificare se esiste una correlazione tra alcune caratteristiche morfologiche del bocchino e la tecnica d’imboccatura, e se questa correlazione sia determinante per la qualità timbrica e le caratteristiche articolatorie del suono prodotto. Tra le ragioni all’origine di questo studio vi è la constatazione del fatto che molti musicisti attivi nell’ambito della musica antica optano per un compromesso abbinando lo strumento antico ad un bocchino moderno, oppure, con l’aiuto di un costruttore, operano una sorta di mediazione tra il bocchino moderno e quello tardo rinascimentale, allo scopo di evitare quei cambiamenti radicali d’impostazione che sarebbero necessari per adattarsi alle sue differenti caratteristiche morfologiche. Proprio questa circostanza sembrerebbe confermare la correlazione tra morfologia del bocchino e tipo di imboccatura, che è alla base di questa verifica.

Il lavoro cercherà di chiarire le eventuali correlazioni tra quattro componenti:

  • Le caratteristiche costruttive e morfologiche del bocchino (bordo della tazza)
  • I condizionamenti tecnici (imboccatura e tipo di emissione) derivanti dalla morfologia del bocchino;
  • La percettibilità delle differenze nei risultati acustici e musicali prodotti con i differenti bocchini e con diverse tecniche articolatorie (test di ascolto su campioni differenti di ascoltatori);
  • Rilevanza delle differenze in termini puramente acustici, attraverso misurazioni ed analisi quantitative (misurazione della distribuzione degli armonici e delle caratteristiche dei transitori d’attacco).

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Pubblico e performance musicale: punti di apprezzamento

Resp. Hubert Eiholzer, Divisione Ricerca e Sviluppo
Collaboratrice: Elena Alessandri, Divisione Ricerca e Sviluppo

Performance pleasures are connected to the performer’s skill and achievement and they are experienced as a result of the audience’s apprehension of and reflection on the individual nature and character of the performance qua performance of a particular musical work. Thus performance pleasures are linked to what the performer does in relation to the demands of the musical work. Given this notion of performance pleasure, three sources of such pleasure are proposed and discussed.

“Special Insights” The production of musical insights is a response to a performance culture that asks of the performer not only to be the faithful transmitter of the musical work, but also to be a creator in his or her own right. The performer has the duty to come up with something new. Special insights probably belong to the most frequently cited reasons for praising a performance of a musical work. In the best of cases, such insights provide critical grounds for singling an interpretation out as a “great interpretation” and the performer as a “great musical artist”. Types of insights are described and the question discussed of how performers can meet the two apparently contradictory requirements of presenting the musical work faithfully and at the same time come up with something new.

“Risk-taking” There are different types of risks, large and small ones; avoidable and inevitable ones, imposed and self-imposed ones. Not every risk-taking may provide a source of musical pleasure. Examples of aesthetically valid risk-taking are presented and discussed, such as “tightrope-walking” which consists in the audience’s awareness that the performer is treading a thin line between two good things whose co-existence is highly desirable and yet seems almost impossible. This topic is highly timely as fewer and fewer performers are prepared to do since the use of recording technology has driven up standards to the point at which note-perfect performances are taken for granted.

“Letting the music speak for itself” In contexts in which performances tend to be overly differentiated or didactic, performers tend to use the music for displaying their technical prowess, or tend to succumb to the music’s invitation to be expressive beyond the call of duty, the audience and critics alike are delighted when performers take on the same repertoire but are able, as the expression goes, “to let the music speak for itself”. Apart from attempting to describe its nature, this source of pleasure seems to generate a difficult paradox about the value of performance interpretations which will be discussed.

The paper ends with qualifying remarks on the scope of the various pleasure sources and their interrelationships.

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Reviews reviewed: uno studio sulle recensioni musicali

Resp. Hubert Eiholzer, Divisione Ricerca e Sviluppo
Collaboratrice: Elena Alessandri, Divisione Ricerca e Sviluppo

The principal research question is, How do critics justify their evaluative judgements of recordings? Critical or evaluative judgements are not expressions of someone’s like or dislike, but are offered as claims deserving the agreement of others. The possibility of such agreement depends on the kinds of reason used to justify the judgements within a mutually shared cultural context. A closer examination of reviews of recordings in prominent music magazines should help answer this and other questions.

Most classical music criticism today found in music magazines and newspapers is about concert performances and recordings, and concert goers and record buyers look to reviewers for guidance in their selection. But the extent to which reviews actually offer reliable critical judgements of performances should be the subject of further investigation to ascertain the theoretical underpinnings and aesthetic criteria critics use in making their judgments. Second, music criticism is primarily evaluative and yet its main function is often described as one or several of its component activities (e.g. description, elucidation, contextualization, interpretation, analysis). This project puts the evaluative function back at the centre of the discourse. Third, music criticism is rarely taught in music departments and conservatoires and available courses tend to emphasize practice (i.e. writing reviews) rather than developing a theoretical framework and a systematic method of criticism. With the proposed project we hope to provide useful learning materials, conceptual frameworks and arguments underpinning such courses.

The research team is fortunate to have Prof. Dorottya Fabian, University of New South Wales, Sidney (AU), as a research partner. She is a leading expert in comparing critical press reviews with sound recordings. Equally important is the contribution of the three dissemination practice partners: the Orpheus Institute in Gent, Europe’s leading centre for artistic research in music; the Association Européenne des Conservatoires AEC, Europe’s principal network for conservatoires and music academies; Radio Svizzera Italiana Rete Due, the main classical music radio station in Southern Switzerland.

To our knowledge this is the first systematic study aimed at elucidating and examining the practice of reviewing recordings to be conducted with professional piano students and teachers who know the repertoire both from the point of view of the listener as well as the performer. The objectives of the study include an overview of critical practice as well as an anthology-type compilation of reviews for teaching and research.

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Motricità e didattica del violoncello

Resp. Cristina Bellu, docente di pedagogia del violoncello, Scuola universitaria di Musica

La letteratura per violoncello (metodi di studio e di insegnamento) trae le sue basi da una prassi caratterizzata da un sapiente artigianato trasmesso generazione dopo generazione attraverso musicisti che hanno raggiunto livelli d’eccellenza indiscutibili.

Ciò malgrado, un’indagine preliminare condotta all’interno del CSI sembra dimostrare che la pressoché totalità di questi metodi apparentemente ignora le strettissime correlazioni presenti tra lo sviluppo delle capacità motorie (motor skill) nelle diverse tappe dell’età evolutiva ed livello di difficoltà tecnica strumentale.

Questo progetto di ricerca si pone l’obiettivo di illustrare quali siano le relazioni tra lo sviluppo delle capacità motorie nei bambini e la natura ed il grado di difficoltà tecnica richiesti dai diversi metodi per violoncello per principianti.

Un pediatra, specialista nella valutazione delle abilità motorie nei bambini, sarà coinvolto in questo studio al fine di segnalare quali sono le capacità musicali possibilmente connesse allo sviluppo motorio.

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Brendel e Schnabel, ovvero, fanno i musicisti ciò che affermano di voler fare?

Resp. Elena Alessandri, assistente di ricerca, Divisione Ricerca e Sviluppo

Sempre più pianisti comunicano le loro idee e teorie interpretative al di fuori del contesto della performance, esprimendole in forma verbale in articoli, libri, saggi, interviste o conferenze. A questi documenti viene generalmente attribuita un’autorità derivante dall’alto status che il mondo musicale riconosce ai loro autori in quanto grandi artisti. Ma come dovremmo noi, interpreti ed ascoltatori, fare uso di questi documenti? È giusto aspettarsi che vi sia coerenza tra ciò che i musicisti dicono riguardo alla loro concezione del brano musicale e al come esso dovrebbe essere interpretato, e il modo in cui effettivamente lo interpretano?

Scopo di questo studio è quello di indagare la natura della relazione tra le idee degli interpreti espresse in modo scritto e le loro effettive realizzazioni interpretative in performance, focalizzando l’attenzione sulle interpretazioni di Alfred Brendel e Artur Schnabel delle 32 sonate per pianoforte di Beethoven.

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Pubblico e ricezione: l'opera italiana a Londra nell'ottocento, tra produzione e consumo

Resp. Massimo Zicari, Divisione Ricerca e Sviluppo

L’obiettivo di questo progetto è quello di mettere in evidenza la natura delle relazioni fra l’opera inglese e i suoi due possibili modelli, l’opera italiana e quella tedesca, alla fine del XIX secolo. L’esplorazione di articoli, recensioni, commenti e partiture ha evidenziato due componenti principali nel dibattito culturale e musicale dell’epoca: a) la ricezione negativa delle prime opere di Giuseppe Verdi e di Richard Wagner; b) la discussione relativa al divario tra l’imponenza dell’edificio teorico e la discutibilità dei risultati conseguiti da Wagner.

Nonostante la ricezione negativa delle loro prime opere, sia Verdi che Wagner ottennero sempre maggiore notorietà, per essere poi riconosciuti a livello internazionale quali figure di riferimento nella composizione operistica del tardo Ottocento. Sotto il loro influsso, alla fine del XIX secolo, un piccolo ma significativo gruppo di musicisti inglesi si dedicò alla composizione di lavori che, in una certa misura, riflettevano un concreto interesse per il dramma musicale tedesco e l’opera italiana.

Charles Villiers Stanford, A. Maclean, Fr. Cowen, W. Bennett, Joseph Bennett, Alexander Campbell Mackenzie composero drammi lirici che furono accolti calorosamente dalla stampa inglese: alcuni di essi furono rappresentati in numerose occasioni anche in Germania, ma più in generale nessuno di loro è riuscito a guadagnarsi una notorietà duratura sul continente.

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La coreografia delle mani

Resp. Hernando Florez, assistente di ricerca, Divisione Ricerca e Sviluppo

L’obiettivo di questo studio è quello di trovare una risposta alla seguente domanda: quando mi trovo in una situazione nella quale sarebbe meglio coreografare la musica in un modo che differisce da quello espresso nella partitura, sono libero di fare questa scelta, anche se così facendo non realizzo le istruzioni espresse dalla notazione?

Trovare una risposta a questa domanda rappresenta uno sforzo che prende in considerazione la doppia natura dell’esperienza musicale, valutando tale esperienza sia dal punto di vista dell’interprete che da quello dell’ascoltatore.

Al centro di questo studio vi sarà un rapporto analitico delle mie esperienze di pianista (il ché include alcuni studi sperimentali) supportato da quello di altri pianisti. Inoltre la ricerca si avvarrà di fonti letterarie provenienti da altre discipline (quali psicologia della musica, filosofia della musica, fisiognomia della musica) che promettono approcci significativamente importanti su questo tema.

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Tecniche di memorizzazione per gli strumenti melodici

Resp. Rico Gubler, docente di sassofono, Scuola Universitaria di Musica

Il progetto intende esplorare diverse strategie pratiche di memorizzazione dei brani musicali, al fine di individuare i diversi metodi e migliorarne l’efficienza. Obiettivo prioritario è quello di riconoscere quale dei metodi produce i risultati migliori nella memorizzazione di brani musicali in relazione alla loro struttura, tenendo presente le necessità individuali e capacità specifiche di ogni individuo.

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La nuova liuteria e l’orchestrazione moderna

Resp. Giovanni Verrando, docente di orchestrazione e teoria della composizione, Scuola Universitaria di Musica

Oggetto di studio di questo progetto è l’orchestrazione e la notazione nella musica contemporanea, combinate all’analisi dei suoni prodotti dalla nuova liuteria (strumenti elettronici, strumenti concreti e suoni computerizzati, software e strumenti midi). L’obiettivo di questo studio è, da un lato, analizzare e catalogare i suoni prodotti dalla nuova liuteria, e, dall’altro, esaminare partiture orchestrali del repertorio contemporaneo in modo da contestualizzare lo studio nella musica del XX secolo. Un terzo ed ugualmente importante obiettivo è quello di implementare i risultati di questo studio all’interno delle mie lezioni alla Scuola Universitaria di Musica, coinvolgendo i miei studenti di orchestrazione e di teoria della composizione.

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Le 32 sonate per pianoforte di Beethoven: discografia commentata. Registrazioni del ciclo completo delle sonate avvenute tra il 1932 e il 2008

Resp. Elena Alessandri, assistente di ricerca, Divisione Ricerca e Sviluppo

Un’indagine di pratico utilizzo che offrirà un importante strumento di riferimento nell’ambito dell’analisi della performance, della ricerca storica e degli studi comparativi sull’interpretazione. La discografia includerà tutti i cicli completi delle 32 sonate per pianoforte di Beethoven introdotti nel mercato musicale tra il 1932 e il 2008. Questo progetto sarà realizzato in collaborazione con la Fonoteca Nazionale svizzera e rappresenterà la prima discografia stilata in accordo alle linee guida ed agli standard internazionali stabiliti dalla IASA (International Association of Sound and Audiovisual Archive).

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Le strategie di studio dei violinisti

Resp. Anna Modesti, docente di pedagogia del violino, Scuola Universitaria di Musica

La ricerca si propone di avviare una raccolta di dati riguardo l’organizzazione e la strutturazione dello studio individuale da parte degli studenti di violino. Obiettivo è quello di stabilire una piattaforma di informazioni che permetta in futuro di valutare nuove e più efficaci strategie di studio.

Più nel dettaglio, si cercherà di mettere a fuoco come le informazioni fornite dagli insegnanti influiscano sull’organizzazione dei tempi di studio e sulla scelta delle strategie attuate dagli studenti, favorendo o limitando l’uso di tecniche ripetitive non finalizzate (limitarsi a ripetere il passaggio fino a quando non risulta stabile).

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